ARKADIUSZ “ARIUS” SZYMCZAK
Arkadiusz Szymczak Scroll Down Arkadiusz Szymczak, znany jako ARIUS, urodził się w 1973 roku w Darłowie. W 1994 roku ukończył Technikum Rybołówstwa Morskiego, jednak zamiast poświęcić się pracy na morzu, wybrał drogę artystyczną. Obrazy olejne tworzy od 1988 roku. Jest malarzem samoukiem, co pozwoliło mu zachować pełną swobodę artystyczną i wypracować własny, unikalny styl. Jego twórczość łączy realizm magiczny z fantastyką. W swoich obrazach dba o precyzję detali i silną ekspresję. Często przedstawia fantastyczne pejzaże, spowite mgłą, a także sceny o wyrazistych kontrastach, które podkreślają dramatyzm jego monochromatycznych wizji. Chętnie sięga po ziemiste barwy, nadając swoim dziełom surowy, niemal apokaliptyczny charakter, sugerujący suszę i rozkład. Każdy obraz sygnowany jest podpisem ARIUS, odciskiem kciuka artysty oraz tytułem, który często nadaje dziełu dodatkowe znaczenie i odkrywa kolejne warstwy interpretacji. Artysta nie narzuca jednoznacznych treści – pozostawia odbiorcy przestrzeń do własnych refleksji i emocji. Centralnym elementem jego prac jest natura, często przedstawiana w monumentalnej skali, w kontraście do niewielkich postaci ludzi lub wyimaginowanych stworzeń. W wielu jego obrazach przyroda ma niszczycielską siłę, co podkreśla przemijalność ludzkich dokonań. Jego sztuka niesie przesłanie o cykliczności życia i nieuchronności upadku, ale jednocześnie sugeruje możliwość odrodzenia i nowego początku.
SEKUNDY W CZERNI I BIELI
SEKUNDY W CZERNI I BIELI Performance Multimedialny – inspirowany kinem niemymAnna Surmińska Zapraszamy na wyjątkową podróż w czasie — do epoki kina niemego, w której obraz mówił więcej niż słowa, a muzyka tchnęła życie w każdą scenę. Wystawa „SEKUNDY W CZERNI I BIELI” to multimedialny spektakl, który łączy fotografie, autorskie filmy oraz muzykę wykonywaną na żywo. W centrum ekspozycji znajduje się specjalnie przygotowany film artystyczny inspirowany dawnym kinem niemym, zrealizowany w stylistyce czarno-białej, z wyraźną ziarnistością obrazu i dramatyczną narracją wizualną. Towarzyszy mu na żywo wykonywana ścieżka dźwiękowa, improwizowana na pianinie przez Duncana Roberta Whita, który po raz pierwszy zobaczy film dopiero podczas występu. To unikalny akt twórczy – kompozycja dźwięku rodząca się w czasie rzeczywistym, będąca osobistą, intuicyjną odpowiedzią na obraz i emocje płynące z ekranu. Całość dopełniają fotografie, które stają się „stopklatkami pamięci” – zatrzymanym ruchem, emocją i ciszą dawnych czasów. To nie tylko wystawa – to pełne zmysłowe doświadczenie emocji i obrazu, gdzie dźwięk, światło i wizja prowadzą widza przez opowieść bez słów.
DOBROCHNA „DOBI” WALCZAK
DOBROCHNA „DOBI” WALCZAK Scroll Down Dobrochna „Dobi” Walczak – polska reżyserka i edukatorka filmowa, aktywnie działająca w obszarze kina niezależnego oraz edukacji artystycznej. W 2024 roku zrealizowała krótkometrażowy film „Dziewczyny nosiły swetry”, który został zaprezentowany w ramach Konkursu Amatorskiego „Okiem Młodych” podczas 11. Festiwalu Filmowego Spektrum w Świdnicy. Film porusza temat traumy po przemocy seksualnej oraz trudności w relacjach partnerskich, ukazując emocjonalne zmagania bohaterów. spektrumfestiwal.pl Po projekcji odbyło się spotkanie z reżyserką, co świadczy o jej zaangażowaniu w dialog z widzami i chęci dzielenia się doświadczeniem twórczym. Dobi Walczak angażuje się również w działalność edukacyjną, prowadząc warsztaty filmowe i artystyczne, które mają na celu rozwijanie kreatywności oraz wrażliwości społecznej uczestników.
JACEK JURIEWICZ MALARSTWO
JACEK JURIEWICZ MALARSTWO Scroll Down Tytuł wystawy : “Bez Granic” Jacek Juriewicz, rocznik ’66 należy do generacji pokolenia X, które wzrastało w poczuciu silnego indywidualizmu z prawem decydowania o własnym życiu. Artysta malarz, nauczyciel związany od urodzenia ze Szczecinkiem. Należy do Stowarzyszenia STACJA KULTURA oraz do Wielkopolskiego Związku Artystów Plastyków. Sztuka od zawsze była obecna w jego życiu. Prywatne lekcje malarstwa i rysunku u Andrzeja Bereziańskiego, Ewy Jędrzejewskiej-Drygas oraz u Wiesława Adamskiego pozwoliły w latach 80-tych młodemu adeptowi sztuki podążyć upragnioną drogą artystyczną.Wczesną twórczość Juriewicza charakteryzuje swoistego rodzaju katastrofizm, który był wypadkową fascynacji twórczością Hieronima Boscha, Salvadora Dalego i Zdzisława Beksińskiego. Artysta, zamykając ten trwający blisko dekadę etap, skierował swoją uwagę na rodzimy pejzaż i architekturę, które ujmował najczęściej w konwencji realistycznej.Wiek XXI otworzył nowy rozdział w twórczości Jacka Juriewicza. Człowiek i natura. Jego niezwykle ekspresyjne portrety (głównie kobiet) tworzą niemal psychologiczne opowieści pełne emocji i uczuć. Zaciekawiają oglądającego i każą dalej snuć historie pełne tajemnic. Nie mniej dynamiczna jest malarska prezentacja przyrody, w której artysta szuka wytchnienia. Kompozycja i mnogość barwnych plam, które składają się na obraz określonej pory roku, drzew czy wody przynosi odbiorcy dużą przyjemność estetyczną.Każdy etap twórczości Juriewicza przedstawia inne oblicze artysty. Osobiste doświadczenia i zainteresowania, ciekawość świata i ludzi stanowią o odrębności jego malarstwa, które często było i jest prezentowane na polskich oraz zagranicznych wystawach indywidualnych i zbiorowych.
EDWARD SZATKOWSKI RZEŹBA
EDWARD SZATKOWSKI RZEŹBA Scroll Down Tytuł wystawy : ” Drewniana opcja “ EDWARD SZATKOWSKI – Ukończył szkołę Rzemiosł Artystycznych w Jeleniej Górze w pracowni prof. K. Szymanika. Dużą część prac artysty stanowią rzeźby sakralne. Jego dzieła można oglądać między innymi w kościołach w Szczecinie, Koszalinie, Białogardzie, Darłowie, Czaplinku. Są to komplety dróg krzyżowych oraz ołtarze. Rzeźbiarz swoją twórczością ściśle związany jest z regionem zachodniopomorskim. Jest członkiem Stowarzyszenia Stacja Kultura w Bornem Sulinowie oraz Wielkopolskiego Związku Artystów Plastyków. Na zamówienie władz miasta Czaplinka wykonał wiele rzeźb, które zdobią miasto i gminę Czaplinek, a także powiat Drawski. Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych kolekcjonerów w Polsce i za granicą. W 2007 artysta został nominowany do Statuetki ARS POPULI – Nagrody im. Władysława Hasiora; w 2007 roku otrzymał z rąk Burmistrza Miasta i Gminy Czaplinek wyróżnienie za „zaangażowanie w działalność na rzecz rozwoju Kultury i Twórczości Artystycznej”; w 2015 r. otrzymał od Gminy Czaplinek statuetkę „Artysta Roku”; w 2021 r. otrzymał nagrodę „Pro Arte” – Nagroda Marszałka Województwa Zachodniopomorskiego; w 2024 r. otrzymał III Nagrodę w XIV Ogólnopolskim Konkursie Poznański Salon „Robinsonada” organizowanym przez Wielkopolski Związek Artystów Plastyków w Muzeum Narodowym Rolnictwa w Szreniawie.Ma na swoim koncie ogólnopolskie i międzynarodowe wystawy i przeglądy sztuki, m.in.: Wystawa zbiorowa „Grupy Młodych” w Galerii Sztuki Pod Strzechą w Poniatowicach i w Piwnicy Świdnickiej we Wrocławiu w 1983 r., wystawę w Poniatowicach i w Piwnicy Świdnickiej w Oleśnicy w 1982 r. Ponadto kilka zbiorową w Galerii Sztuki Współczesnej m.in. we Wrocławiu i w Niemczech.
MONIKA KOLOSZ MALARSTWO
MONIKA KOLOSZ Scroll Down Tytuł wystawy : “Poświaty” MONIKA KOLOSZ – Z pasji i zamiłowania- Artystka…spełniona. Z wykształcenia magister sztuki. W roku 2001ukończyła Wydział Wzornictwa na Politechnice Koszalińskiej. W Szczecinku,od 10 lat, prowadzi pracownię artystyczną Monali-art, przy której skupia wielu pasjonatów sztuki, malarstwa, rysunku, rękodzieła, organizując dla nich liczne warsztaty twórcze. Jej malarstwo to pełna czułości podróż wgłąb siebie. Odbiorca stając przed jej pracami, czuje spokój i harmonię, bo takie jest jej przesłanie: jestem, czuję, żyję.Malarstwo Moniki Kolosz przenosi nas do świata subtelnych odczuć, prezentuje obrazy pełne koloru i światła, w które chce się wejść i tam pozostać. Jest tak dzięki umiejętności, odwadze i świadomości twórczej artystki. Najnowszy cykl jej obrazów nosi nazwę “Poświaty”. To podróż po tym co widoczne i odczuwalne, bo w połączeniu z naturą,zawsze jesteśmy spójni. Learn More Facebook Youtube
SZYMON SZYMANKIEWICZ ( PLAKAT WARSZTATY)
SZYMON SZYMANKIEWICZ Scroll Down Szymon Szymankiewicz – PLAKAT jest absolwentem i wykładowcą w II Pracowni Plakatu na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. Projektuje plakaty i grafiki. Jego prace były wyróżniane, nagradzane i pokazywane na przeglądach i konkursach plakatów w Polsce oraz w łącznie kilkunastu krajach Europy, Azji i obu Ameryk. Jego najbardziej znane projekty to antyfaszystowski plakat „Loading…” (Złoty Medal Biennale Plakatu Polskiego w Katowicach w 2019 r. oraz I nagroda na Międzynarodowym Biennale Plakatu Społeczno-Politycznego w Oświęcimiu w 2020 r.) oraz plakat „Godło” (wyróżnienie w konkursie Galerii Plakatu AMS w 2017 r., praca była również pokazywana na wielu wystawach oraz w publikacji „Sztuka od roku 1989” autorstwa historyczki sztuki dr Stefanii Krzysztofik-Kozakowskiej z Uniwersytetu Jagiellońskiego). Z ważniejszych przeglądów i wystaw plakatów, w których brał udział Szymon Szymankiewicz, należy wymienić jeszcze Międzynarodowe Triennale Plakatu Vision w Hong Kongu w 2014 r., Triennale Plakatu w Lahti w 2014 r. i 2017 r., Światowe Biennale Projektowania Graficznego Golden Bee w Moskwie w 2014 r., 2018 r. i 2020 r., Międzynarodowe Triennale Plakatu w Toyamie w 2015 r. i 2018 r., Triennale Plakatu w Trnavie w 2015 r., Biennale Plakatu w Boliwii w 2015 r., Międzynarodowe Triennale Eco-Poster w Charkowie w 2015 r., Biennale Plakatu Polskiego w Katowicach w 2015 r. i 2019 r., Międzynarodowe Biennale Plakatu w Bielsku-Białej w 2015 r., Międzynarodowe Triennale Plakatu Politycznego w Mons w Belgii w 2016 r., Przegląd Type + Text w Guilin w Chinach w 2016 r., Biennale Future Virtual w Pradze w 2016 r. i 2020 r., Międzynarodowy Festiwal Plakatu PlakatFest w Chorzowie w 2016 r., 2017 r., 2018 r. i 2020 r., Międzynarodowy Festiwal Plakatu w Shenzhen w 2016 i 2019 r., wystawę The Culture of The Poster w Shenzhen w 2017 r. oraz Międzynarodowe Biennale Plakatu w Lublinie w 2019 r. W 2021 r. Taiwan Association for International Care of Organ Transplant ogłosiła międzynarodowy konkurs “Stop Live Organ Harvesting in China”, gdzie zdobył Nagrodę Honorową. Jego prace były pokazywane na wystawach i przeglądach w kilkudziesięciu krajach Europy, Azji oraz obu Ameryk.
GRZEGORZ “SIWY ” PAWŁOWSKI (SHOW RZEŹBIARSKIE)
GRZEGORZ „SIWY” PAWŁOWSKI Scroll Down Grzegorz „Siwy” Pawłowski – rzeźbiarz z Jeleniej Góry, twórca o wyjątkowym podejściu do materiału, formy i przestrzeni. Od lat związany z regionem Dolnego Śląska, swoje inspiracje czerpie z natury, historii oraz codziennego życia, które przetwarza w drewnie, kamieniu i metalu. W jego pracach wyraźnie widać szacunek do tradycyjnego rzemiosła oraz pasję do tworzenia dzieł niosących silny ładunek emocjonalny i symboliczny. „Siwy” znany jest z monumentalnych rzeźb plenerowych, figur sakralnych, jak również mniejszych form użytkowych i dekoracyjnych – każda z nich nosi jego charakterystyczny, surowy i zarazem liryczny styl. Artysta często bierze udział w plenerach rzeźbiarskich, festiwalach i projektach artystycznych na terenie całej Polski. Jego prace zdobią przestrzenie publiczne, parki, ogrody oraz prywatne kolekcje w kraju i za granicą. Grzegorz Pawłowski to twórca, dla którego rzeźba jest nie tylko zawodem, ale sposobem życia – opowieścią zapisaną dłutem w drewnie i kamieniu.
TOMASZ PERLICJAN (PERFORMANCE / VIDEO ART)
TOMASZ PERLICJAN Tomasz Perlicjan – malarz, performer, artysta interdyscyplinarny związany z Piłą. Jego twórczość balansuje na granicy obrazu i działania, łącząc klasyczne techniki malarskie z ekspresją performansu i instalacji artystycznych. Inspiruje się codziennością, absurdem, emocjami i stanami wewnętrznymi, które przetwarza na płótnie i w działaniach scenicznych. Jako malarz eksploruje różne formy ekspresji – od symbolicznej narracji po abstrakcyjne kompozycje pełne koloru i energii. Jego performance to z kolei żywa forma wypowiedzi artystycznej, często improwizowana, oparta na ruchu, geście i interakcji z przestrzenią. Perlicjan nie boi się eksperymentu i przekraczania granic medium – traktuje sztukę jako pole wolności i intensywnego dialogu z widzem. Brał udział w wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce i za granicą, a także w projektach artystycznych łączących różne dziedziny sztuki współczesnej.
GRUPA RAGO FIRE SHOW (PERFORMANCE)
GRUPA RAGO FIRE-SHOW RAGO – to interdyscyplinarna grupa artystyczna z Polski, specjalizująca się w widowiskach łączących taniec współczesny, teatr fizyczny i efektowne pokazy ognia. Od lat tworzą spektakle plenerowe i sceniczne, które łączą ekspresję ruchu z żywiołowością żywego ognia, światła i dźwięku, angażując widzów na wielu poziomach zmysłowych. Zespół RAGO wywodzi się ze środowiska tancerzy, performerów i artystów cyrkowych. Ich unikatowe choreografie opierają się na pracy z ciałem, improwizacji i świadomym wykorzystywaniu przestrzeni. Występują zarówno na festiwalach sztuki i teatru ulicznego, jak i podczas dużych wydarzeń kulturalnych, eventów oraz pokazów komercyjnych w Polsce i za granicą. W spektaklach RAGO ogień staje się pełnoprawnym partnerem w tańcu – nie tylko efektem wizualnym, ale nośnikiem emocji i narracji. Grupa znana jest z dbałości o artystyczną jakość i bezpieczeństwo, a także z otwartości na nowe formy wyrazu i współpracę międzygatunkową. https://www.youtube.com/watch?si=S_J_MS8vSdlUhw-Q&v=sxReSWCwJt4&feature=youtu.be
JAROSŁAW KOZIARA (SCENOGRAFIA)
JAROSLAW-KOZIARA Scroll Down Jarosław Koziara – scenografia polska Jarosław Koziara to jeden z najbardziej rozpoznawalnych polskich artystów wizualnych, którego działalność scenograficzna łączy w sobie sztukę, naturę i eksperyment. Urodzony w 1967 roku, ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie na Wydziale Grafiki, ale jego twórczość od lat wykracza daleko poza klasyczne formy. Zasłynął jako scenograf i autor wielkoformatowych instalacji artystycznych, m.in. dla takich wydarzeń jak Festiwal Land Art, Carnaval Sztukmistrzów, czy widowiska teatralne i plenerowe w całej Polsce. W swojej pracy wykorzystuje naturalne materiały, światło, przestrzeń i kontekst miejsca, tworząc scenografie o silnym ładunku emocjonalnym i symbolicznym. Jego projekty często przybierają formę żywych obrazów wpisanych w krajobraz, zacierając granicę między sceną a środowiskiem. Koziara jest również autorem licznych instalacji land artowych, z których najsłynniejszą pozostaje “Zielony Anioł” – ogromna forma stworzona z roślin, widoczna tylko z lotu ptaka. Jako scenograf współpracował z wieloma teatrami, reżyserami i instytucjami kultury, konsekwentnie realizując autorską wizję sztuki jako doświadczenia totalnego – łączącego widza z przestrzenią i naturą. Jarosław Koziara to artysta, który redefiniuje pojęcie scenografii w Polsce, nadając jej wymiar nie tylko estetyczny, ale i społeczno-filozoficzny.
